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LOLA MONTEZ von Max Ophüls wiedergesehen, neu entdeckt. Der Name ist Programm: Sie steigt auf, sie balanciert über den Köpfen der Bediensteten und des Publikums hinweg, steigt auf Hocker, nur um Nebenbuhlerinnen bloßzustellen. Sie erhebt sich über andere, das Publikum dankt es ihr, indem es applaudiert. Grau und einförmig ist nicht nur das Äußere ihrer Zuschauer. Auch ihre Regungen ordnen sich der temperamentvollen, leidenschaftlichen und strengen Frau unter, die gerade an diesem Tag ihren schwächsten Auftritt und damit ihren großen Moment der Schwäche hat. Sie gibt sich Blöße, und das in aller Offenheit, so wie es ihr eigen ist, vor einem Publikum. Sie ist an diesem Abend nicht ganz bei sich. Wann fühlt sie sich stark, wann ist sie in ihrem Element? – Das ist vor allem in vertrauter Zeweisamkeit mit einem Mann. Sei es in der behaglichen Intimität von geräumigen Kutschen oder in den beigen Gemächern Maximilians – wenn sie allein mit einem Mann ist, fern von Beobachtern, hinter verschlossenen Türen und zugezogenen Vorhängen, dann greift ihr Zauber um sich, zieht den Mann in ihr Gravitationsfeld. Er kreist um sie und vergisst, dass andere auch um ihn kreisen müssen. Er ist ihr verfallen.

Das Sich-Lösen von der Beziehung, die Trennung, ist dann weniger eigenem Ehrgeiz und Willen als äußeren Einflüssen geschuldet: Der Kutscher, der just losfährt, als sich Montez‘ Finger und die kostbarsten Fingerspitzen der Menscheitsgeschichte, die von Liszt, drohen zu berühren; der Aufstand im Reich, die Revolution, die Maximilian zur Trennung bewegt. Erstaunliche Macht, die sie auszuüben weiß. Nie wird sie als Männer verschlingende Lulu gezeigt, sie ist keine Lolita wider Willen. Ihre Macht ist ihr Temperament, der eruptive Ausbruch von Emotionen, der die Schicklichkeit – das, was sich ziemt – zermalmt. Wenn sie sich ihr Kleid vom Leib reißt, bringt es die Verwaltung einer starren, alten, behäbigen Monarchie ins Wanken. Wunderbar sehen wir Diener, Statuen gleich auf Posten, nun aber kreuz und quer durch die Pracht der Marmorgemäuer rennen, um „denen da oben“, die im letzten Stockwerk, Nähzeug zu bringen.

Dort, hoch oben, ist Lola angenomment, ist hochgestiegen worauf ihr Name im Französischen anspielt: aufsteigen. Aber, das ist die Klimax des Films, sie muss fallen, fallen können, muss ihre Schande, Attraktion im Zirkus geworden zu sein, überwinden.

LOLA MONTEZ ist einer der bedeutensten Filme Max Ophüls, des europäischsten Regisseurs, vor und nach dem zweiten Weltkrieg. Das Potpourri an Sprachen, die auch er beherrschte, floß auch in diesen Film ein. Bemerkenswert: sein einziger Farbfilm, dazu in Technicolor. Die ornamentale Ästhetik des Schwarz-Weiß von PLÄSIR und MADAME DE… gibt die Manege frei für das Glitzern von Kronleuchtern, für blaues Licht und Erinnerungen, die in feuerroten Schein getaucht sind. Die Farbwelt überwältigt die Sinne und muss von der Kadrierung, die auf- und zugezogen wird, domptiert werden. Max Ophüls wird am Ende selbst zum Dompteur der Bildsprache des Films.

Opulenz, ausgeräumte Schlösser, schwitzende Leiber, bröckelnder Putz; Müdigkeit in den Gliedern, ein Kniefall angesichts des Todes. Der Lebensmodus der Sizilianer, ihre Gesinnung: Alles verändert sich, die Kulisse bleibt dieselbe, die Armut, der Zerfall begleitet jeden einzelnen. Selbst den Fürsten, den Lepoarden. Angesichts des Ausufernden, der Opulenz, angesichts der sizilianischen Schlösser verzichtet IL GUEPARDO auf Asche als Bildmotiv. Wie einfach wäre es, Zerfall und Auflösung mit grauem Staub zu zeigen, Wind, der die Asche über die Schaumkronen der Wellen trägt, auf dem verbrannten Gras der Berge verstreut. Stattdessen im Bild: Statuen mit Blicken, die ins Nirgendwo gehen, bröckelnde Fassaden, Kirchenglocken, die den Tod einläuten, Pfarrer auf dem Weg zur letzten Salbung, Urin in Vasen im Bad der feinen Gesellschaft, Gemälde über siechende Kranke, leere Räume, die nur noch durch ihre verbliebene Weite dem Glanz alter Tage nacheifern.

Der Kleingeistige rechnet, er rechnet seine Chancen aus, er geht Beziehungen ein, er sucht sich Helfer, er versteckt seine Schätze, seine Frau vor allem, die bildschön ist, so schön, dass sie ihren Anblick nicht teilen mag, er wittert Missgunst, er ist hässlich, ihm fehlt es an Haltung, Grazie, Eleganz und Auftreten. Er flößt niemandem Respekt ein, auch nicht der Kapelle, die zum Spielen auf sein Signal warten sollte. Sie spielt trotz ihres verfrühten Einsatzes, trotz seiner Protestschreie, trotz seiner Flüche.

Von oben hinunter sieht der Leopard, weil es ihm nicht nur durch seinen Status in der Gesellschaft gegeben ist, über andere zu herrschen. Er ist auch von großer Statur, er ist stattlich, groß, attraktiv. Der Kleinbürger, der raffgierige, ist klein, braucht die Höhe des Turmes, um sich Achtung während seiner Ansprache zu verschaffen. Niemand würde für ihn so schnell den Kopf in den Nacken legen, wenn er spricht. Er ist eine Hyäne, vielleicht auch ein Aasfresser, den der Löwe zu einem Festschmaus der Kleider und Tänze eingeladen hat. Der Gastgeber bleibt der Löwe, die Hyäne wird nie Löwe sein, der Löwe sich nie der Hyäne beugen, es bleibt nur die Zeit, die den Farben ihren Glanz, den Räumen ihren Nutzen und den Körpern ihr Leben nimmt. Es ist, wie es ist, keine Tragik, kein Zweifel kommt auf – auch keine Reue.

In Sizilien, in seinen Palästen, die sich auflösen, wird nichts bereut. Man ist schließlich in Sizilien! Die Neuen, die Nachfahren und Neuankömmlinge, die Nutznießer der gesellschaftlichen Umschwünge, verändern wenig, sie herrschen anders, beanspruchen andere Räume für sich, haben andere Manieren und zeigen glanzlose Taten.

Die Zeit der Löwen geht vorbei. Wenn wir uns der Reue anheim geben, dann müssen wir weinen, der Leopard weiß es. Sein Körper, seine Haltung vor allem, wird die neue Zeit nicht überdauern. Mit dem Ende seines Lebens werden die Räume der Paläste, werden sich die Feste und die Prozessionen ändern, sie werden einen neuen Charakter kriegen. Der Fürst steht nicht nur für die Zeit der Leoparden, er ist diese Zeit.

Il GUEPARDO ist eines der Meisterwerke von dem italienischen, mailänder Regisseur Luchino Visconti. Mit Burt Lancaster in der Rolle als sizilianischer Fürst, der seinen Wurzeln auf der Insel tief verbunden ist, gingen die Filmemacher ein großes Risiko ein. Die Glaubwürdigkeit der aufgebotenen Welt stand auf dem Spiel. Es verwundert wenig, dass Lancaster eine Woche lang proben musste, bis er das italienische Handzeichen für Ciao beherrschte. Details waren Visconti in den historischen Filmen wichtig. IL GUEPARDO / DER LEOPARD war eines der teuersten Filme von Luchino Visconti und von der italienischen Produktionsfirma Titanus – man sieht die Opulenz in jedem Bild. Die damals gebräuchliche Ausleuchtung über Deckenleuchten stört manchmal den Genuss, mildert aber nicht die Atmosphäre, die uns die Bilder einer vergangenen und doch für uns zum Leben erweckten Welt bieten. Schaut den Film, er ist toll.